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«Famélico estáis. Es que no como»

La actual situación de emergencia sanitaria a nivel global ha reabierto el viejo debate en torno a la necesidad y perentoriedad de la cultura en una situación de crisis económica. Se trata de una cuestión que va más allá de los problemas en torno a su financiación, aunque, finalmente, siempre acabe concretándose en términos económicos. Dada la amplitud del tema nos centraremos en uno de los ámbitos más significativos de la cultura en los tiempos actuales, como es el de los museos de arte, aunque sin perder de vista, como haremos al final, una perspectiva de carácter general.

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Realidad y silencio en Georges de La Tour

El descubrimiento de Georges de La Tour (1593-1652) como uno de los grandes pintores del siglo XVII fue un asunto de los historiadores del arte del siglo XX y tuvo sus hitos capitales en un breve artículo de 1915 del historiador del arte alemán Hermann Voss, y en las exposiciones monográficas que se celebraron en París en 1972 y en 1997. En su artículo, Voss reunía, junto a las únicas tres obras que entonces se conocían de La Tour, un grabado y varias menciones documentales. A partir de estos mimbres fue reconstruyéndose la carrera de este fascinante pintor que hoy ocupa uno de los lugares más relevantes del Barroco pictórico europeo.

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¿Pinturas para mujeres?

En la temprana fecha de 1445, el rey Juan II de Castilla, padre de Isabel la Católica, donó a la Cartuja de Miraflores, que había fundado en las cercanías de Burgos, un tríptico cuyas tablas no medían más allá de metro y medio de longitud y, en su parte más alta, no llegaban a los setenta y cinco centímetros. En la escena central se representó el episodio del Descendimiento de Cristo, mientras que a la izquierda lo que aparecía era el tema del Nacimiento y a la derecha la Aparición de Cristo a su madre tras la Resurrección.

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El Greco, pintor anacrónico

La figura del pintor Doménikos Theotokópoulos, El Greco (1541-1614), resulta hoy día especialmente atractiva desde los más diversos puntos de vista. En primer lugar, claro está, por la alta calidad pictórica de la mayor parte de su producción. Calidad unida a singularidad, que hace que sus obras llamen la atención no sólo de los especialistas y de historiadores del arte y de la cultura, sino del público culto en general e incluso del llamado «gran público».

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La apoteosis del retrato

Aunque el artista europeo más importante que Diego Velázquez (1599-1660) conoció personalmente fue el flamenco Pedro Pablo Rubens, las principales referencias externas del pintor sevillano fueron la pintura italiana del Renacimiento (sobre todo la veneciana) y la escultura clásica. En realidad no hay contradicción entre ambos hechos, ya que el gran pintor de Flandes había bebido en las mismas fuentes y fue él quien, al parecer, indujo a su más joven colega a realizar el preceptivo viaje a Italia, tal como él mismo había hecho en su juventud.

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Modernidad, vanguardia, tradición

En el mes de diciembre de 1986 abrió sus puertas al público en París el Musée d’Orsay, dedicado, como es sabido, al arte francés del siglo XIX entre, aproximadamente, 1840 y 1900. La polémica acerca de cuál había de ser su contenido, que ya se había planteado largamente durante los años anteriores, estaba servida: no sólo se instalaba el arte de esta época en una antigua estación de ferrocarril a orillas del Sena que poco tiempo antes se pensaba en demoler, sino que la adaptación de su espacio para convertirse en museo fue encargada a la arquitecta, fallecida el pasado mes de noviembre, Gae Aulenti, la cual realizó una espectacular y muy discutida remodelación de su interior, del que, una vez terminada, apenas se recordaba su anterior destino como edificio industrial. Igualmente, y quizá todavía más, fueron –y siguen siéndolo hoy día– objeto de encendido debate la selección y el modo de exponer las colecciones, que abarca la producción artística francesa centrada en la época del Segundo Imperio.

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Los orígenes del arte contemporáneo

Leo Castelli, figura esencial del Nueva York cosmopolita, fue el líder absoluto del arte estadounidense contemporáneo al unir la apuesta estética con un instinto infalible por el dinero

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Crisis y final de una idea del museo

El día 1 de octubre de 1792, el consejo ejecutivo provisional formado para recoger y ordenar en el palacio del Louvre las obras de arte y los objetos destinados a formar un museo nacional y cuidar de que se expusieran de la mejor manera posible, especificaba en una carta enviada a los ciudadanos encargados de tal tarea que dicho museo nacional había de ser público, servir para la instrucción de los artistas y el progreso de las artes, y convertirse en centro de atracción para «los aficionados ilustrados y los hombres de corazón puro que, saboreando las delicias de la naturaleza, encuentran todavía encanto en sus más bellas imitaciones». 

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