El catálogo que nos ocupa surge acompañando a la muestra homónima que se expuso en el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto del 20 de marzo al 20 de mayo del año 2018. Como el título nos ilustra, en dicho año se cumplían los 150 años del período Meiji, un momento definitorio de la configuración de Japón como nación-estado. Fue entonces cuando se dotó al país de una constitución, de un gobierno ministerial, de un ejército modernizado siguiendo los patrones occidentales, y cuando se consagró la figura del emperador como presencia vertebradora de la identidad japonesa. Desde la perspectiva artística, que es la que se explora en este libro, fue un período en el que, si nos enfocamos exclusivamente en la producción artesanal, se produjo el conflicto entre el ajuste de categorías artísticas foráneas, que las consideraban como artes menores, y la tradición nativa, que nunca había establecido una estricta jerarquía entre las producciones artísticas y las valoraba por igual atendiendo a la excelencia de su ejecución mecánica, así como a su ingenio a la hora de tratar un tema. La maestría de la artesanía japonesa fue admirada ya desde 1867 en Occidente, cuando se presentó por primera vez oficialmente en una exposición universal (la de París), pero lo peculiar del caso japonés fue el decidido apoyo en su producción por parte del gobierno para aumentar sus recursos financierosSatō, D. (2011). Modern Japanese Art and the Meiji State. The Politics of Beauty. Los Ángeles: Getty Research Institute..
El catálogo se estructura con dos ensayos (en japonés) escritos por investigadores del Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto. El primero, firmado por Hirai YoshinobuLos nombres se citan de acuerdo a la convención japonesa: apellido primero y nombre propio a continuación. y titulado «Un aspecto de los pintores japoneses del período Meiji. La Escuela Prefectural de Pintura de Kioto y su relación con los diseños artesanales», aborda un tema ya estudiado como es la readaptación de la ciudad tras la pérdida de la capitalidad frente a Tokio en el año 1869, y cómo de ahí surgió la virtud de redirigir los esfuerzos artísticos de los pintores más prestigiosos del momento para aportar diseños y modelos a los artesanos que, en las diferentes artesanías de la ciudad, comenzaban a producir sus obras para un mercado que se estaba extendiendo hacia ultramar. En 1880, gracias en parte al apoyo gubernamental, se inauguró la pionera Escuela de Pintura de la Prefectura de Kioto (Kyōto-fu Gagakko), que reunió a los mejores pintores del momento, y cuyo papel fue fundamental para impulsar la sinergia con los artesanos locales, enriqueciendo las producciones de la ciudad. La alta calidad de aquellos productos finales hizo que en poco tiempo el gobierno japonés se asegurase de contar siempre con los diseños de los miembros de la escuela para las muestras internacionales en las que participaba. Este ensayo se relaciona con la sección del catálogo comprendida bajo el epígrafe «La Escuela Prefectural de Pintura de Kioto y el nihonga contemporáneo», donde se ilustran las obras y diseños de los pintores que se comentan.
El segundo texto, de Daicho Tomohiro, titulado «Las artesanías de Meiji. Con ocasión de la exposición de los 150 años», glosa el panorama de las artesanías en la ciudad de Kioto durante el período Meiji y la progresiva especialización de cada una de ellas: laca, cerámica, textiles, trabajo del metal, etc. Repasando la participación japonesa en las diferentes exposiciones universales del siglo XIX, en las que el país primó la presencia de sus artesanías, el autor nos descubre un catálogo de diseños creado por agentes gubernamentales específicamente como orientación para la producción de artesanías, titulado Onchi Zuroku (Catálogo de patrones de diseño), y aparecido entre los años 1875 y 1881El título deriva de una máxima que dice onkochishin que puede traducirse como «Para aprender hoy, hay que estudiar (revisar) el pasado».. Este volumen recogía los diseños de varias de las obras presentadas en las Exposiciones Internacionales de Filadelfia (1876) o París (1878), así como la primera y segunda Exposición Industrial Nacional de 1877 y 1881 en Tokio, y constaba en total de 84 capítulos. Uno de los aportes del catálogo es documentar la estrecha relación entre los diseños propuestos en esta obra y las artesanías basadas en ellos que fueron presentadas posteriormente, lo que pone de relieve la eficacia de la obra y del impulso gubernamental. También se nos habla del papel de los expertos extranjeros en el desarrollo de las artesanías japonesas del período Meiji —como es el caso del alemán Gottfried Wagener (1831-1892), decisivo en la modernización de la producción cerámica japonesa—, así como de la creación del esmalte transparente que caracterizaría la producción del período Meiji y que elevaría a cotas artísticas a maestros como Namikawa Yasuyuki (1845-1927). El ensayo se relaciona con la segunda parte del catálogo, titulada «Las artesanías de Meiji» con las subsecciones, «La era de las exposiciones», «Gottfried Wagener y la cerámica Asahi» y «Maestros artesanos de la era Meiji».
El catálogo termina con un listado de los Artesanos de la Casa Imperial nombrados durante el período Meiji (solo en japonés), y que figuran en el libro, y concluye con el tradicional listado de obras exhibidas en la muestra que dio origen al libro (en japonés e inglés).
Para un lector curioso pero desconocedor del idioma japonés, este catálogo es en sí un objeto digno de apreciación por la belleza intrínseca de su formato, un cuadrado perfecto de 20×20 cm., y la calidad de sus ilustraciones, un rasgo característico de los catálogos de arte japoneses que hace que se derribe la barrera impuesta por el idioma y logremos disfrutar de la riqueza de sus diseños.
Finalmente, quiero hacer una reflexión sobre el catálogo de exposición japonés.
En Japón la tradición editorial relacionada con los catálogos de exposiciones artísticas sigue ciertas pautas. La abundancia de exposiciones en diferentes museos nacionales, prefecturales y municipales hace que los aportes científicos de los mismos sean incrementales a lo largo del tiempo, con pequeñas contribuciones a la comunidad científica sobre las obras que se presentan, más que la creación de grandes catálogos que se conviertan en referencias, como suele ser más habitual en otros países. El valor radica en la documentación gráfica de las obras, así como en la incorporación de obras que se conservan en colecciones privadas y que se exhiben en público por primera vez. Por supuesto, también tenemos ejemplos de catálogos que, al abrigo de grandes conferencias temáticas, han aportado un conocimiento fundamental para el estudio de un artista o de su canon reconocido. Un buen ejemplo son los catálogos de Shōhaku ShowKyoto National Museum (2005). Shōhaku Show. Del 12 de abril al 15 de mayo de 2005. (2005) y Kanō Eitoku. Momoyama painter extraordinaireKyoto National Museum (2007). Kanō Eitoku. Momoyama Painter Extraordinaire. Del 16 de octubre al 18 de noviembre de 2007. (2007), ambos del Museo Nacional de Kioto, por permanecer en el ámbito de la antigua capital japonesa.
Como coda final, una idea sobre la portada del catálogo. Frente a la obra japonesa que compone el grueso del libro, para la imagen de presentación, bellamente gofrada y dorada, se ha escogido un plato con motivos naturales del inglés Thomas Bates Blow (1853-1941). Blow, ciudadano inglés, contribuyó, al igual que Wagener, al desarrollo de técnicas cerámicas que hicieron avanzar la ciencia en el Japón del momento. Su pieza resume bien, y de un modo panorámico, lo que fue el mundo de la creación artesanal durante el período Meiji: un intercambio con Occidente y una renovación de las tradiciones del archipiélago.
Daniel Sastre de la Vega es profesor en el Centro de Estudios de Asia Oriental de la Universidad Autónoma de Madrid, y autor del libro Arte y nación: el discurso de la historia del arte en el Japón Meiji, Barcelona, Bellaterra, 2019.
